Varias horas en una fila que triplicaba la capacidad de la sala —288 lunetas— y la necesaria prolongación de la temporada por exigencias del público, dan fe del exitazo de taquilla que ha tenido la puesta en escena de Cuatro menos, reciente obra del periodista, dramaturgo y teatrólogo  Amado del Pino (Tamarindo, Camagüey, 1960), llevada a   la  sala Tito Junco, del Centro Cultural Bertolt Brecht, por el grupo Vital Teatro, que dirige Alejandro Palomino.

Amado del Pino, autor de Cuatro menos

Con esta pieza ganadora del Premio Internacional Carlos Arniches (Alicantes, España, 1866-1943), en el 2008 —primer cubano en alcanzar tal lauro—, el teatro cubano vuelve a introducirse en el análisis crítico de los problemas de una zona de la sociedad cubana de nuestros días; vistos a través de un (poco usual)  hiperrealismo, que quizás haya sido el detonante principal del masivo interés de los espectadores por esta representación que, en última instancia, deviene reflexión crítica sobre la pérdida de valores éticos, humanos y espirituales, sobre lo cual espolea hondo.

Del Pino, con una audaz dramaturgia escenificada por Alejandro Palomino (Triangulo en el 2004 y En falso, 2006, también del mismo autor), profundiza en asuntos “delicados”, considerados “tabúes” en los temas expuestos hasta ahora en los espectáculo públicos de la isla. Pero ni el guión, ni la puesta, acuden  al burlón doble sentido, ni a la manipulación disidente; como tampoco la generalidad de los diálogos constituyen reseñas hipercríticas; sino parten de la realidad misma, sin edulcoración, aunque en ocasiones coexisten excesos dramatúrgicos —sobre todo en los discursos de Andrés, Tamara y Pollo— que frisan el teque emocional.

Lógicamente, y como el mismo autor ha dicho, al teatro no le corresponde pronunciarse ni dar respuestas científicas, sino crear las dudas, poner el dedo sobre la llaga de algunas preguntas, propiciar el debate. De eso —y solo de eso— se trata esta obra que echa anclas en apacibles posturas de los jóvenes ante algunos de los problemas que nos corroen, entre ellos, claro está, los relacionados con el bloqueo impuesto a la isla por el gobierno de

Estados Unidos. Pero la tesis de Del Pino va mucho más hacia adentro de nuestras contrariedades; es decir las signadas por dogmas y esquematismos nacionales; realidad que buena parte de las nuevas generaciones enfrenta mediante el éxodo, la apatía, el abandono de la familia y el desarraigo de sus valores culturales. Con tal ardid el autor mueve las fichas del ajedrez, en ese juego de vida o muerte en que transcurre la existencia del cubano de hoy.

Pero Amadito, aunque sabe que este es un asunto clave en su drama, deja bien sentado que, en Cuatro menos, no representa a las juventudes cubanas, “ni tengo opiniones de sociólogo o politólogo sobre el tema”.

Palomino, sin relevantes pretensiones escénicas, aprovecha las actuales circunstancias socio-políticas de la nación; llamada a exponer  nuestras dificultades con claridad y sin miedo, con el fin de favorecer las transformaciones que permitan la subsistencia de la independencia y las conquistas del socialismo; y asume la escenificación junto a un experimentado colectivo de jóvenes actores —la mayoría de ellos popularizados a través de la televisión cubana—, quienes mantienen el ritmo de la obra, de principio a fin, gracias a la interpretación de un discurso que se erige sobre la base del debate familiar de los problemas.

En tal sentido, el espectador sigue atento varios asuntos o conflictos, que van, además,  desde el divorcio y la separación de los hijos, hasta la interrelación afectiva de éstos; así como en torno al polémico reconocimiento de los grupos gay en la sociedad cubana; a la vez que se introduce en disimiles emociones, tales como la soledad, el dolor, el amor, el odio, la intolerancia…

Avalado por un mínimal  diseño de luces (Yoan Palomino y Huberto Valera) y de escenografía (Alejandro Palomino), la puesta, sin embargo, posee cierto desbalance en el desempeño actoral.

Palomino, con desenfado y naturalidad asume el papel de Andrés, hilo conductor de la dramaturgia, sustentada sobre una descalificada propuesta de tesis de doctorado (cuatro menos), que debe reelaborar en medio de disimiles decepciones, entre ellas la emigración de su hija hacia otro país. Figura dibujada, desde lo discursivo extremo, con radicales conceptos de patriotismo, fidelidad y credo en los valores de la sociedad en que vive.

Le secundan, Laura Moras (Tamara), la esposa de Andrés, amorosa y tolerante. Aunque ella tiene sus convenientes inquietudes feministas, resentida por los propios problemas expuestos, al fin y al cabo apoya al marido en sus decisiones personales; mientras que Kelvin Espinosa (Pollo)  y Karen Arcis (Ania)  mantienen el equilibrio y fidelidad al diseño de sus personajes; los cuales también recurren en determinados momentos al discurso ponderativo.

Nora Elena Rodríguez (Susana) alcanza el clímax de su actuación en la escena del aeropuerto, aunque en general puede dar más libertad expresiva a su papel,  por momentos esquemático; en tanto Michel Labarta (Saúl), es el menos logrado de todos los personajes; su discurso es atropellado, entorpeciendo la dicción. Sus giros son bruscos y sobreactuada su entrega, que es poco convincente.  

Hacia el final de la puesta hay  esa mezcla de realismo y poesía que la crítica ha calificado, en otras obras de del Pino, como Poesía de la crudeza. Me refiero al momento en que Ania abandona el país y es despedida por sus padres en el aeropuerto, ocasión en que la joven (Karen Arcis) interpreta a capela, con evidente emoción,  el bolero Pensamiento. Un estigma muy bien concebido.

Para los espectadores —que finalmente ocuparon los pasillos entre las gradas hasta sobrepasar los 300, y al concluir la obra, puestos de pie, la ovacionaron—, Cuatro menos logró hacerlos reflexionar, sin desaliento,  sobre nuestras adversidades; y aunque muchas de ellas van quedando atrás luego de las transformaciones emprendidas en la Isla hace varios  meses —y  la pieza fue escrita entre 2006 y 2007—, otras dependen, y mucho, de la entrega de todos por hacer avanzar este país.  

Durante una de las jornadas del coloquio

Nahela Hechavarría Pouymiró, en representación de la isla, se encuentra entre los especialistas reunidos en el Teatro Macedonio Alcalá, sede de este encuentro pleno de inquietudes, hallazgos y cuestionamientos acerca de cómo se ha construido la Historia del Arte a partir de la emergencia de las identidades nacionales que permiten la proyección de los distintos Estados que conforman América Latina.

Un despacho de prensa publicado en la edición digital de E-consulta, de Oaxaca, (www.e-consulta.com), asegura que las historias del arte nacionales se han caracterizado, en algunos casos, por la mistificación de la antigüedad  y del pasado reciente y plantean una división entre historias centrales y regionales, fenómeno que abre la pregunta acerca de su entretejimiento, su separación y  atomización.

En este tenor, el aspecto de la legitimidad se convierte en el elemento de mayor peso y resta atención a su configuración visual y sensible. Lo histórico se vuelve así más importante que lo artístico.

El análisis de casos concretos, es decir, que van de lo particular a lo general cambian la manera de entender los factores históricos en el campo artístico.

En la primera parte de la mesa participaron, además,  especialistas de Argentina, México, Guatemala y los Estados Unidos.

Las ponencias tuvieron los siguientes temas: los relatos constructores de una Historia del Arte en Argentina en el periodo de 1940 a 1960, las políticas de la ficción nacional en la conformación de las categorías espaciales y temporales en la historiografía artística argentina, la fotografía cubana del siglo XX y su relación con el poder, lo maya como nacional en Guatemala, la Historia del Arte chilena en tiempos de la dictadura y la supresión del arte óptico y cinético en México.  El moderador fue Renato González Mello, director del IIE de la UNAM.

También participaron como ponentes fueron Talía Bermejo y Sandra M. Szir, de Argentina; Diego Vásquez Monterroso  y  Daniel Garza Usabiaga, de México y Josefina de la Maza Chevesich, de Estados Unidos.

La sesión vespertina fue moderada por Deborah Dorotinsky del IIE de la UNAM y consistió en la participación de cuatro ponentes que abordaron los temas del pacto y la traición como imágenes fundacionales en México y Filipinas, el modo brasilero de abstracción, las imágenes de los murales en edificios públicos en Argentina en la década de 1930 y los murales realizados por Diego Rivera en Chapingo.

Las y los especialistas fueron Ninel Valderrama y Susana Pliego Quijano, de México; Luiz Renato Martins, de Brasil y Cecilia Blej de Argentina.

El último día del coloquio, se llevarán a cabo los trabajos de la tercera mesa con el tema Escritura y Narración.  A las 17:30 horas, Jens Baumgarten, de la Universidad Federal de Sao Paulo, Brasil, impartirá la Conferencia  Magistral titulada Transferencias, circulaciones y sistemas visuales en América Latina. A las 18:30 horas, en la Ceremonia de Clausura, Luis Ugartechea Begué, presidente municipal de Oaxaca de Juárez, otorgará diplomas a los visitantes distinguidos que concurrieron al Coloquio.

El Ayuntamiento invitó al público a que siguiera la transmisión, en vivo, de las dos últimas actividades del XXXV Coloquio Internacional de Historia del Arte,  a través de la página www.municipiodeoaxaca.gob.mx, con el fin de que fuera testigo de este  encuentro de primer nivel que trajo grandes resultados para Oaxaca.

Obra de Sorolla

La exposición, organizada por el Museo en colaboración con el Ayuntamiento de Granada, incluye además un conjunto de dibujos que muestran cómo la asimilación del paisaje granadino fue más allá de su producción pictórica, ya que quedó plasmado en el diseño de una de sus obras más personales: el segundo jardín de la Casa Sorolla.

Sorolla viajó a Granada en cuatro ocasiones (1902, 1909, 1910 y 1917). La primera fue una visita fugaz, pero dejó en él una profunda huella pues quedó deslumbrado por el paisaje y el patrimonio monumental de la ciudad. Sierra Nevada, las vistas de la ciudad o los patios y torres de La Alhambra son algunos de los motivos que cautivaron al pintor.

Los paisajes que Sorolla realiza en Granada son clave dentro de su producción. En ellos explora el género del paisaje puro, sin figuras, desplegando todos los recursos adquiridos a lo largo de su carrera con una pincelada expresiva y certera.

Actividades paralelas

Según Logopress, el comedor del Museo se ha decorado con una muestra de la cerámica granadina de Fajalauza de la colección del propio Museo. También se ha organizado una serie de actividades como visitas guiadas, cuentacuentos o la actividad de ‘la Pieza del Mes’, que abordará durante los próximos meses distintos aspectos de la exposición

 Según una nota de prensa publicada en Info en punto (edición digital) — http://infoenpunto.com—, la colección Identidad Italiana acoge casi 60 lotes del movimiento  Arte Povera, coincidiendo con una importante exposición itinerante italiana organizada por el Museo de Arte Moderno de Bolonia dedicada a esta tendencia artística polimaterista.

 Uno de los lotes,  Combustión de leña , es una de las obras más importantes del período formativo de Alberto Burri (1915 – 1995). Podemos apreciar aquí algunas de las técnicas del  arte povera : aquí el artista usa el fuego como elemento transformador de la obra, quemando, hundiendo, carbonizando y transformando materiales como la madera, el plástico o metales varios. Podría cotizarse por entre 800.000  y 1.200.000 libras.

 También se podrá pujar por la escultura de bronce  Caballero  de Marino Marini (1901 – 1980). A medio camino entre la síntesis formal de los cánones escultóricos clásicos y el dinamismo y revolución formal de la posguerra, se trata de un expresivo ejemplar dentro de la trayectoria del artista hacia obras más maduras. Originalmente un regalo del artista al empresario, polímata y coleccionista de arte Alphonse Mucha, pertenece a una serie limitada de cuatro ejemplares, y los demás se encuentran en museos de primer nivel. Se pronostica una venta de entre 800.000 y 1.200.000 libras.

 Otro lote representativo del nivel de las obras presentadas en esta subasta es el dibujo futurista de Gino Severini (1883 – 1966)  Tren que llega a París . Obra de excepcional rareza debido a lo limitado del canon futurista y las pocas obras de esta corriente artística que quedan en manos privadas, se espera una venta de entre 500.000 y 700.000 libras.

Obra de Coca

De acuerdo con un despacho de El Tribuno, edición digital (www.eltribuno.info), para esta exposición el destacado creador presentó un conjunto de obras que pertenecen a diferentes series de producciones, realizadas entre las que se encuentran cuatro agrupaciones; serie Fotos familiares, Pintura social, Objetos familiares y Coca, con una cantidad de 32 obras aproximadamente a exponer.

Para el artista, este trabajo representa una revisión profesional necesaria para continuar en este camino elegido, una revisión que comienza en su paraíso personal, en su amor, su familia, su entorno.

Es una muestra para exponer la fábrica de todas sus felicidades y donde la creación parte de la intervención de objetos encontrados en su contexto, haciendo participes a familiares y amigos de la metamorfosis sufrida, se trata de un arte concreto, auténtico, desnudo y sincero que es el primer paso para comunicar, para crecer y creer…para mostrar el lugar que lo aleja de las tristezas, la fábrica de su felicidad.

La serie Pintura social es un trabajo de pintura convencional con motivos sociales que representan la vida de barrio, la infancia, los colores y aromas de una realidad cruda y de subsistencia del día a día, una obra impregnada de crítica social, que por sí misma sostiene que el verdadero arte es el que describe y exalta la lucha de clases, una representación concreta de la realidad en su desarrollo.

La concreción y veracidad histórica de la representación artística de la realidad debe estar vinculada con la tarea de transformación ideológica y educacional de los seres humanos en su espíritu.

La serie Coca se crea a partir de la palabra y el sinnúmero de significados que se pueden encontrar referencias de su apellido y, a la vez, jugar con sus significados y significantes.

Las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto. De esta manera, la creatividad e imaginación de Coca se manifiesta en cada una de sus producciones coloridas que exponen diferentes mensajes para sus espectadores.

Así, la idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales y, en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte.

Frente a la idea de progreso, evolución e innovación el arte postmoderno defiende la cultura popular, la hibridación; se caracteriza por el eclecticismo, la mixtificación, el  nomadismo , ir de un estilo a otro; la  deconstrucción , es decir, tomar elementos estilísticos del pasado. El arte de Marcelo Coca se nutre de nuevas perspectivas, de una visión originalmente colorida que establece una conexión con su universo.

El arte se basaba en la innovación, la experimentación, la evolución, los postmodernos vuelven a los métodos clásicos, a la pervivencia de formas y estilos artísticos del pasado, creando una mezcla de estilos.

La presente muestra representa a Marcelo Coca como un artista ecléctico que utiliza todos los recursos disponibles para generar comunicación.

Elección en salones

Marcelo Coca fue seleccionado como uno de los mejores exponentes de nuestra provincia en el concurso nacional de pintura Premio Federal organizado por el Cfi para el ciclo de muestras regionales del Noa en salas federales de Buenos Aires en el año 2003.

Además participó de la selección del jurado Salón Nacional Osde 2005 para muestras regionales en Salta y Tucumán, selección en el Salón Nacional de Pintura Banco Nación 2006, seleccionado en la Bienal Nacional de Salta 2007, selección en el Salón de Pintura Provincial Rodrigo Pereira en los años 2002, 2004 y 2007 y obtuvo una mención en la sección abierta del Concurso Ledesma de Pintores Jujeños año 2009 con la obra Desocupados.

Antecedentes de Coca

Además, realizó la muestra individual Retrospectiva en el museo Jorge Mendoza de San Salvador de Jujuy y participó de la muestra Colectiva en la sala de arte Medardo Pantoja, de la muestra colectiva en el salón cultural  La voz de Perico  con  El almacén del arte , de la muestra colectiva  En el cielo como en la tierra  en el centro cultural  Jujuy , en el desfile de  Body art  en los altos del Teatro Mitre, de la muestra colectiva de esgrafiados en el museo  Pasquíni López , del desfile de arte corporal en la ex estación de trenes, de la muestra colectiva esgrafiados en el museo  José Antonio Terry  de Tilcara, de la muestra colectiva  El Cubo  en la sala de arte de la Biblioteca Popular de Jujuy y en el museo y centro cultural  Culturarte .

Además, durante el año 2004 participó en el ciclo  Muestras Regionales  en salas federales de la ciudad de Buenos Aires, seleccionado por el Cfi, además formó parte de la intervención barrial  La Sal Sale Para Todos  en el salón de arte de La Sopa y de la instalación  Metáforas en el Espacio  en adhesión al foro nacional  Jujuy con Letras  en la sala  Medardo Pantoja del teatro Mitre; además de las muestras individuales  Mis pobrezas  y

 El Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam, en la capital de la isla, inaugurará el próximo 4 de octubre, a las 5:00 pm, la exposición personal  de Yang Fudong (Beijing, 1971), considerado uno de los artistas chinos más importantes en la actualidad, quien por vez  primera exhibirá en Cuba una amplia muestra fotográfica y cinco audiovisuales de su autoría.

Obra de Yang Fudong

Hasta el venidero mes de diciembre y bajo el título de La distancia de la realidad, el público de la capital podrá disfrutar de las creaciones de este joven artífice internacionalmente  reconocido,  quien  recrea sus trabajos en las posibilidades formales, estilísticas y expresivas del cine y el video para poder explorar los sentimientos de una nueva generación de jóvenes urbanos, en un país en constante cambio, en el que la cultura del pasado aparece y se reconfigura en el presente de las grandes ciudades.

Sin olvidar su condición de pintor, Yang Fudong reinterpreta en sus vídeos los procesos pictóricos narrados con un nuevo lenguaje visual. La experimentación del ritmo y la velocidad de imágenes del vídeo son para él los mayores atractivos de este medio, donde sabe fundir lo propio con lo universal; precisa una nota publicada en la página digital de Arte 10 —Monográficos de Arte 10. Revista de arte contemporáneo.

Haciendo uso de elementos muy locales, construye su discurso narrativo a partir de ciertos elementos constantes, como la belleza de la imagen, la evocación del silencio, el tratamiento psicológico de los temas y las reflexiones filosóficas relativas a la existencia del hombre. En su obra existe una profunda preocupación sobre la situación del artista, del intelectual, de su relación con el paisaje exterior y su reflejo interior; la identidad del individuo más allá de un sistema cultural que le ha marginado y en el que ha de redefinir su posición.

Yang Fudong es uno de los jóvenes artistas chinos que están revolucionando el panorama creativo de gigantesco  país asiático. Alejado del conocido realismo cínico y del pop, este creador asume la tradición europea de la nouvelle vague para crear deliciosos filmes en blanco y negro con un fuerte componente poético y filosófico.

“Fudong representa una generación de artistas orientales que están sufriendo en su persona un cambio transversal en los modos de producción y desarrollo de su país natal: China. Esto es importante porque es necesario para entender el desarrollo conceptual de su obra. En Fudong no hay tradición al uso. Ni realismo pop-cínico. Sin ir más lejos, el artista usa el cine y el vídeo (muy en la línea europea) en sus obras para poder explorar los efectos vitales que padecen una nueva generación de jóvenes urbanos, en un país en constante cambio radical. Para ellos, y, concretamente, para Fudong, la cultura del pasado (tan alabada por algunos intelectuales) aparece rotunda y se reposiciona de manera fantasmal en el presente de las grandes urbes neocapitalistas y ultratecnológicas que crecen expansivas como un lunar al sol”, así se subraya en las palabras al catálogo de la exposición realizada por el artista, en ocasión del décimo aniversario del Museo Esteban Vicente, de Segovia, donde expuso su primera retrospectiva en España.

Yang Fudong comenzó su carrera en 1991. Ese mismo año ingresó en el departamento de pintura de la Academia Nacional de Bellas Artes de China (situada en Hangzhou). Fue en este lugar donde comenzó a tener contacto con los nuevos medios artísticos, y en especial con la fotografía contemporánea. En 1998 fijó su residencia en Shanghai, ciudad más abierta a experimentaciones, y donde se respira más ‘libertad’ creativa.

Una vez situado en la gran urbe, inicia su carrera profesional participando en diferentes exposiciones colectivas nacionales que le servirán para dar el salto hacia el exterior.

“El cineasta ha creado a lo largo de estos años obras de cine independiente sin salir de China. Delicadamente filmadas en blanco y negro, y en un formato de 35 mm, Yang combina el lirismo del estatismo vacío de la pintura china, con la expresividad de la Nouvelle Vague europea, todo ello mezclado con un toque de Jim Jarmusch, al que Yang cita frecuentemente como inspiración.

El desarrollo de sus obras siguen parámetros similares: confecciona tableaux vivants y ralentiza el desplazamiento de las imágenes siguiendo líneas no narrativas necesariamente planteando, de alguna manera, cuestiones filosóficas relativas a la existencia como tal y a la tradición intelectual”, se enfatiza en las palabras al catálogo antes citado.

Para Fudong, la composición de las imágenes cumple una función totalmente representacional. Es decir, el supuesto de que la narración es la representación de una realidad pre-existente, y que esta representación es fiel a la naturaleza de esa realidad no parece encajar con el artista. Ante la tradición de la narratividad horizontal, omnisciente y selectiva, éste responde con un extraño neoclasicismo cinemático.

“O sea, la sucesión de imágenes no tiene por que ser necesariamente causal, es decir, no tiene por qué seguir una lógica en la que a toda causa le sigue un efecto único. Fudong intenta hacer poesía, no crítica social. En cierta manera, conserva una idea anti narrativa, utilizando en exceso el plano-secuencia y el incremento de la polisemia visual. En definitiva, la sensación es de ver pintura clásica en movimiento. La muestra del Esteban Vicente, supondrá una excelente oportunidad de ver las obras de un artista excelente y del que se oirá hablar en importantes subastas de arte ulteriores. Y es que hay temas que son universales…”, se expresa en las palabras del catálogo para la exposición del Museo  Esteban Vicente.

En el año 2002, la XI Documenta de Kassel —donde completó y estrenó el rodaje de su primera película, Estranged Paraíso—,le abrió las puertas hacia el reconocimiento internacional, y tras ella seguirán múltiples exposiciones en Europa, Estados Unidos y Asia (Kunsthalle Wien, 2005; Castello di Rivoli – Museo D´Arte Contemporanea de Turín, 2005; y Stedelijk Museum, 2006), así como su participación en las Bienales de Venecia de 2003 y 2007, en la de Shanghai de 2004 y en la de Moscú de 2005.

Posteriormente, su labor en el cine incluyó lo que se convertiría en cinco partes del ciclo Siete intelectuales en un bosque de bambú, producción que completó en 2007 y que es probablemente su trabajo más conocido hasta la fecha.

La muestra de este prestigioso creador chino llega al Centro Wifredo Lam —San Ignacio 22, Plaza de la Catedral, Habana Vieja— precedida  del éxito del público y de la crítica durante su exhibición en otras galerías e instituciones de varios países, entre ellas el Centro Georges Pompidou , Art Basel Miami Beach, el Museo de Arte Moderno ( Gramercy Theater ) y el International Center of Photography de Nueva York . Este año, antes de viajar a Cuba, el quehacer plástico de este artista se presentó  en la Espoo Museum of Modern Arte en Finlandia, donde se mostraron cuatro instalaciones de video.

GOYA: Aníbal vencedor que por primera vez mira Italia desde los Alpes

El informe, firmado por la colega Irene G. Vara, señala que quienes asistan a la emblemática institución durante ese período, tendrán una extraordinaria oportunidad de contemplar una de las composiciones de mayor relieve e impactantes de la etapa de juventud del artista aragonés.

Fechada en 1771, la obra pertenece a un período no representado hasta ahora en el recorrido cronológico de la rica y extraordinaria colección de Goya en El Prado.

Aníbal vencedor que por primera vez mira Italia desde los Alpes, título completo del lienzo, fue realizado por un joven Goya de 25 años en la etapa final de su estancia de dos años en Italia, para participar en el concurso de la Academia de Bellas Artes de Parma. El cuadro, perdido después de su presentación al concurso, fue comprado a mediados del siglo XIX por Fortunato Selgas, coleccionista español. En 1993, Jesús Urrea identificó la obra como la primera documentada del pintor, lo que supuso un hito importante en el conocimiento del artista, indica la nota de prensa de Revista de Arte – Logopress (http://www.revistadearte.com).

La preparación y esfuerzo que Goya dedicó a esta composición ponen de manifiesto su interés y esperanza por obtener un triunfo académico que en España se le había negado ya en dos ocasiones. Sin embargo, la medalla de oro fue concedida al italiano Paolo Borroni, discípulo de Bossi. La obra de Goya se llevó una mención.

 Manuela Mena, jefa de conservador del siglo XVIII del Museo del Prado y experta en la obra de Goya, destacó la expresión con que Goya representa Anibal. “Es casi la figura de Hércules, vemos un anticlasicismo”, aseguró. Mena se refirió también a la manera de interpretar al ejército, cansado en lugar de victorioso, y al arrepentimiento del artista en las patas del caballo, que salió a la luz después de realizar una radiografía.

Pero quizá lo más interesante del lienzo sea comprobar que, a pesar de pertenecer a la primera etapa de Goya, encontramos elementos compositivos que se mantendrán a lo largo de la carrera artística del pintor. “Goya eleva la figura del héroe de forma sutil, mediante un escenario creado a propósito”, explicó Mena. Además, “podemos apreciar la perfección del dibujo y de las actitudes de las manos”, añadió la experta.

El lienzo, propiedad de la Fundación Selgas-Fagalde, permanecerá en depósito durante seis años en el Prado según el acuerdo que ambas instituciones han firmado. Por su parte, el museo madrileño se compromete con la fundación a realizar el estudio técnico y restauración de cinco obras de su colección y a organizar dos proyectos expositivos en su sede de Cudillero.

 El acuerdo tiene dos objetivos principales, según explicó Miguel Zugaza, director del Museo del Prado, durante la firma del convenio y la presentación del Aníbal. Por un lado, la investigación de las obras y por otro, la difusión de ambas colecciones.

La Fundación Selgas-Fagalde nació en 1991 con el objetivo de conservar el legado cultural de una de las familias que mejor representan el mecenazgo en España. Los hermanos Ezequiel y Fortunato Selgas y Albuerne iniciaron a finales del siglo XIX una importante colección de pintura italiana, francesa y española de los siglos XV al XIX. Artistas como Luca Giordiano, El Greco o Goya están representados en esta colección que se alberga en la Quinta de “El Pito”, en el pueblo asturiano de Cudillero.

Aníbal vencedor que por primera vez mira Italia desde los Alpes podrá disfrutarse en la Sala 35 del Museo del Prado, subraya finalmente el despacho de Revista de Arte – Logopress.

Una exposición colectiva, conformada con obras de once artistas cubanos, en su mayoría jóvenes, será inaugurada este jueves 29 de setiembre, bajo el título de Revelaciones,  en el Museo Regional de La Laguna, ubicado en la parte sur del Bosque Venustiano Carranza, el más antiguo y tradicional de la ciudad de Torreón, en Coahuila de Zaragoza, estado del Noreste de México.

Museo Regional de La Laguna

La coordinadora de comunicación del mencionado museo abierto al público en noviembre de 1976 —con la finalidad de albergar la colección de objetos arqueológicos encontrados en la cueva de La Candelaria—, Guadalupe Rivera, informó a la prensa que la muestra forma parte de un proyecto bibliográfico homólogo, el cual tiene el propósito de realizar investigaciones sobre estos once artistas plásticos cubanos del Siglo XXI; programa que incluye, además, la realización de tres conferencias a cargo de Norman Bardavid  y Martha Zamora, especialistas en arte de la isla.

Revelaciones, integrada en su mayoría por jóvenes egresados de diferentes centros de la enseñanza artística en Cuba, permitirá a los visitantes apreciar el variopinto panorama del arte insular en expresiones iconográficas  correspondientes a las autorías de William González, Yaimil Hernández, Manuel Álvarez, Alonso Olayo, Joel Corrales, Orestes Gauehiac, Aliosha Araceli Bouillón, Dionel Delgado, Youssuan Remolima, Raciel Gómez y Suskia Verger.

La exhibición está auspiciada por la Dirección Municipal de Cultura de Torreón, la Galería de Arte Scénic y el Museo Regional de La Laguna, el cual la ubicará en su Sala Temporal, dedicada especialmente a las muestras colectivas de arte.

El Museo Regional de La Laguna tiene entre sus principales objetivos rescatar, promover  y difundir el patrimonio cultural de la región. Ofrece al público visitante exposiciones, servicios varios y publicaciones que fortalecen la identidad común de los habitantes de La Laguna. Da servicio a toda la comarca lagunera, conformada por los estados de Coahuila y de Durango, junto al de otras ciudades de ambos estados mexicanos.

Torreón está ubicada al norte del país, con un desarrollo económico alto, sustentado en la industria agrícola, la industria textil, metalúrgica, química, el comercio y los servicios. Es una de las ciudades más jóvenes de México, pues celebró cien años en el 2007. Tiene sus orígenes estrechamente ligados al ferrocarril, y en específico, al paso de los ferrocarriles hacia y desde la frontera con los Estados Unidos.

El lugar en donde ahora se asienta la ciudad de Torreón fue antes un cruce de vías en donde se instaló una edificación a manera de torre (en realidad un Torreón) para la vigilancia de las avenidas del río. Su población en 2010 era de 648.758 habitantes.

El Bosque Venustiano Carranza,  en cuyo centro se encuentra ubicado el Museo Regional de La Laguna, constituye el principal pulmón de la ciudad, ubicado en la confluencia de las avenidas Juárez y Cuahutémoc. Allí se realizan gran cantidad de eventos culturales, cívicos y deportivos. Cuenta con auditorio, canchas para diversos deportes, amplios espacios con árboles, clubes deportivos y juegos mecánicos

El carácter antropológico del Museo Regional de La Laguna no lo limita a llevar a cabo presentaciones históricas, sino también contemporáneas. Su diseño es moderno y funcional, con grandes salas de exposiciones y bellos jardines que adornan su alrededor. Esta institución —una de las más bellas piezas culturales de Torreón— es ampliamente visitada por los estudiantes de la región.

Entre las Colecciones principales del museo se encuentran: Objetos de la zona pertenecientes a las tribus laguneras, así como objetos de las culturas del área mesoamericana y de diferentes culturas. El primero de enero de 1973 se colocó la primera piedra del Museo Regional de La Laguna, el cual abrió sus puertas al público el 22 de noviembre de 1976. En 1999 se remodeló extensamente tanto sus salas de exposición que fueron empleadas como nuevos espacios que se agregaron.

Actualmente cuenta con biblioteca, librería, auditorio con capacidad para 200 personas, cafetería, sanitarios, recepción y guardarropa, además cuenta con servicios educativos donde se ofrecen talleres, visitas guiadas, conferencias y se atiende al público en general.

Cuenta con colecciones permanentes que se encuentran en cuatro salas: Sala de Arqueología Regional; Sala Mesoamericana;  Sala Lucio Lagos —donde se muestran objetos que fueron coleccionados por el Sr. Lagos durante toda su vida y que son objetos de las diferentes culturas de Mesoamérica—; y Sala de Etnografía Mexicana: Donde se muestra la vestimenta y objetos de los diferentes grupos étnicos del país.

Hace pocos días, el gobernador de Coahuila, Jorge Torres López, firmó junto a su homólogo de Durango, Jorge Herrera Caldera, el Convenio de Voluntades para la Creación del Primer Plan Rector Metropolitano de La Laguna, instrumento integral que permitirá tener las bases para continuar con un crecimiento ordenado y estable de toda la región.

Este jueves 29 de septiembre, a las 3.00 pm,  en el patio del  Edificio de Arte Cuba del Museo Nacional de Bellas Artes, en La Habana, será presentado el catálogo de la exposición

Felipe Orlando: ciudadano del mundo, inaugurada en el mes de mayo pasado en esa emblemática institución.

La muestra estuvo integrada por 24 cuadros pertenecientes al MNBA y 11 prestados por su familia, entre ellos La casa de las carolinas, exhibido en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), en 1944 y otros que abarcan  las diversas etapas de su trayectoria creativa; todos los cuales aparecen en este catálogo impreso a color.

Felipe Orlando fue un hombre peregrino del arte, de cuya obra el prestigioso crítico Guy Pérez Cisneros dijo: “Su pintura es una expresión muy depurada y muy sinceramente ingenua de su mundo interior. Nunca se quiso engañar a sí mismo, y su obra ofrece una pureza muy rara en nuestro arte moderno(…) Orlando supo ver con provecho el mono cromatismo manuelino seguido por la orgía del color de Mariano. Conservó siempre su personalidad intacta a través de tales viajes. Sus temas son lo mágico cotidiano: las afueras del circo, los juegos de los niños, las peceras, los juguetes. Buen ejemplo de que no se necesita recurrir a un literario surrealismo para hallar la más fina y la más rara poesía.”

En las palabras al catálogo de esta exposición que puso de relieve una de las figuras más enigmáticas de la cultura cubana y, paradójicamente, muy poco conocida por las nuevas generaciones de cubanos, el reconocido curador y crítico del MNBA expresó que este artista perteneciente al movimiento de la vanguardia artística surgida en los años 30, nos legó una “pintura es difícil de encasillar dentro de las principales direcciones por donde se mueve el joven movimiento moderno de la Isla.

“Discípulo informal de Víctor Manuel —agregó—, inicialmente su talento se expresa próximo a los recursos formales de su maestro, aunque muy pronto llega a asumir un rumbo autodidacta. Así, hace su aparición en la Exposición nacional de pintura y escultura, de 1935 en la cual obtiene un premio por su obra Mujer y paisaje. Es un año definitorio para Felipe Orlando como artista, pues realiza también su primera exposición personal en el Lyceum de La Habana”.

Felipe Orlando participó, durante sus años en la isla, en los más importantes eventos de aquel momento, tales como la Exposición de pintura cubana actual en el Lyceum de La Habana, febrero de 1937, y en la Primera exposición de arte moderno, celebrada en el Salón del Centro de Dependientes de La Habana, muestra en la que comparte espacio con algunas de las figuras más importantes del arte entonces, entre ellos, Víctor Manuel, Amelia Peláez, Carlos Enríquez, Jorge Arche, Fidelio Ponce, Arístides Fernández.

Ya por entonces, la crítica entrega palmas a su quehacer plástico.  “Lo mágico y lo milagroso juegan el papel más importante en los recientes cuadros de Felipe Orlando…”, tal expresó el poeta Emilio Ballagas en las palabras del catálogo de la exposición individual que realizó en 1939 en el Círculo de Amigos de la Cultura Francesa

“Al comienzo de la década de los 40 la pintura de Felipe Orlando sufre cambios. Abandona el uso de los grises y adquiere una mayor riqueza e intensidad en el colorido. Con respecto a los asuntos que trata”, afirma Cobas en sus palabras para este catálogo.

José Gómez Sicre, mecenas del arte cubano junto a María Luisa Gómez Mena, apuntaba en esa misma década: “Aunque sus temas abordan la misma inocente intención, a veces nos parecen irónicos, mágicos pero penetrados siempre de una deliciosa poesía, de un lirismo activo que quisiera estar siempre ordenando, modificando, todas las cosas dentro del lienzo.”

Según Cobas, entre sus obras sobresalientes de esta época se encuentra La casa de las carolinas, 1943, escena intimista en la cual dos mujeres comparten una apacible vida doméstica. Ese mundo en apariencia cerrado, de escenas atrapadas en un tiempo al parecer inamovible, lo vincula a otros creadores paradigmáticos de aquel momento como Mariano Rodríguez y René Portocarrero. En esta dimensión atemporal, también se encuentra otra obra importante de Orlando: Interior amarillo.

“Sin duda —dice Cobas—, Felipe Orlando se encuentra en un momento de plena madurez creativa en el transcurso de la década de los 40 y desempeña un papel destacado en la plástica cubana de la época. Durante este período su pintura evoluciona de un estilo ingenuo, próximo a lo naif, a una expresión de un colorido intenso, casi expresionista, cercano a la poética surrealista”.

En la segunda mitad de los años 40 del pasado siglo, Felipe Orlando vive y crea En Estados Unidos, pero sin perder sus vínculos con el arte y la cultura cubanas, organiza y participa tanto en muestras personales y colectivas de La Habana y Washington y  Nueva York.

En 1951 se traslada a México donde abre un nuevo taller en la capital del país azteca y se sumerge con brío en el panorama de la pintura mexicana de los años 50 y 60, integrándose a la cultura artística de la nación.

“¿Cuáles son los cambios fundamentales que ocurren en su obra durante su estancia en tierra azteca? Sin duda, aspectos ya señalados por la crítica: lo mágico y misterioso se consolidan y cobran una mayor intensidad. Su pintura se mueve muy próxima al surrealismo, corriente en boga en la pintura mexicana de la mano de importantes figuras: Remedios Varo, Alice Rahon, María Izquierdo, Leonora Carrington y Gunther Gerszo, entre otros. Lo imaginario se impone al empuje histórico del muralismo mexicano y da origen a lo que algunos han llamado “fantasía mexicana”. Felipe Orlando participa con su pintura en ese gran momento de renovación de la plástica azteca, y su erudición musical lo hace pintar una de sus obras sobresalientes de los años 50, cuya estética está cercana al lenguaje surrealista:“Homenaje a Palestrina, ca.”, 1956, dedicado al gran compositor italiano, uno de los más célebres del Renacimiento”, puntualiza el reconocido curador cubano.

En México, Felipe Orlando prontamente se inserta en los principales circuitos del arte, pero tampoco allí olvida su estrecha relación con –Cuba, y se hace notar su participación en los principales eventos del arte insular, como es la exposición Plástica cubana contemporánea. Homenaje a José Martí, que tiene lugar en el Lyceum de La Habana en 1954.

Estudioso de su obra y de su vida, Cobas puntualiza en sus palabras al catálogo que “durante el primer lustro de los 60, Felipe Orlando está concentrado en la obra que se encuentra llevando a cabo en México; pero al mismo tiempo, esta se internacionaliza. Así aparecen expuestas en muestras personales que tienen lugar en Texas, Nueva York, Roma y Caracas, entre otras ciudades del mundo que acogen su arte.

“En 1965 —añade— se traslada a tierra española y allí sus raíces fecundan de nuevo, instalándose en Mojácar, Almería. A partir de 1970 establece su residencia en Benalmádena, Málaga. Su pintura evoluciona hacia la abstracción, en particular la pintura informalista, aunque siempre con algún referente figurativo. En estas pinturas Felipe Orlando nuevamente cambia su morfología. Predomina la serenidad y el lirismo en las texturas. Tal como afirmara José Emilio Pacheco acerca de su pintura “…un artista no está hecho jamás. Se hace a sí mismo a medida que pinta.” Los títulos son sugerentes y permiten al espectador penetrar en el misterio que ofrecen las diversas gradaciones de color. El azul domina la composición en un homenaje plástico al mar en “Del Mediterráneo”; los tonos rojos en gamas intensas invitan al juego en “Cachumbambé”; los acrílicos de vigoroso colorido y misteriosa entonación aparecen reflejados en el díptico “Obatalá no.1” y “Obatalá no. 2”. 

En su texto, Cobas reitera el carácter viajero en la personalidad del artista, condición que se asocia, “de forma definitiva” con su nítida  imagen “como pintor, escritor y antropólogo tenemos que asociarlo, , con el artista viajero”.

En tal sentido, el crítico del MNBA asegura que su “movilidad geográfica es asombrosa. Recorre países de América, Europa y África; en unos expone sus pinturas, en otros publica sus libros. En algunos la investigación antropológica lo fascina al punto de convertirse en un apasionado coleccionista y en un gesto de desprendida generosidad crea un Museo Arqueológico en Benalmádena, al cual dona su gran colección de piezas precolombinas.    

“La diversidad cultural quizá sea la principal premisa de su ideario estético. De ahí que su obra plástica esté abierta a variadas interpretaciones y el público pueda acceder de las más diversas maneras a la lectura de sus cuadros. Hay un sentido de universalización de su pintura, de interpretación abierta, surgida de lo más íntimo de un Felipe Orlando que no cesa de palpitar ni un momento. Es este movimiento pendular, de lo recóndito a lo vibrante, la característica principal de la obra integral de este gran artista, que se proyecta con orgullo como ciudadano del mundo”, expresa finalmente Cobas en las palabras del catálogo que será presentado este jueves en el Edificio de Arte Cubano del MNBA de La Habana.

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Por Jorge Rivas Rodríguez

De “suceso multitudinario” fue calificada por la crítica especializada la primera exposición en Alemania del reconocido maestro cubano de la plástica Arturo Montoto (Pinar del Río, 1953), quien expone en la Galería del Instituto Cervantes de Berlín su más reciente muestra titulada Jardines Invisibles.

Junto a Montoto, siempre María Eugenia, compañera, amiga, confidente y esposa fiel. Junto con ellos, Suka, la mascota de la familia.

Durante la inauguración, el artífice sostuvo un ilustrado diálogo con el igualmente célebre escritor cubano Leonardo Padura, ocasión en la que se revelaron ante el público germánico  conceptos y experiencias del trabajo pictográfico del también dibujante, ceramista y fotógrafo, graduado de la Escuela Nacional de Arte en la década de 1970.

La lírica iconográfica de Arturo Montoto está inspirada en el arte y la vida, en el hombre y su cotidianidad, a través de colores devenidos  luces  que brotan de los fragmentos de añejas construcciones,  columnas, puertas, escaleras… para conformar complejos mensajes de transfiguración etérea  en los que la recontextualización  de disímiles objetos (códigos) expresivos —frutas, herramientas de trabajo, libros…—  facilitan el acceso hacia un arte que,  en tanto posee  extraordinaria belleza plástica, evoca irónicas sutilezas sicológicas.

“Sus cuadros nos cuentan historias pasadas que reviven con el color de una fruta o la aparición de un objeto tocado por la mano del hombre. Montoto es un verdadero artífice del contrapunteo entre lo sensual y lo arquitectónico, un demiurgo de los contrastes y de esas zonas ocultas del barroco cubano que pocos como él han sabido revelar”, ha dicho el reconocido poeta, ensayista, escritor y etnólogo Miguel Barnet, Premio Nacional de Lioteratura 1994 y presidente de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba.

La obra pictográfica de Montoto incita a polémicas entre admiradores, detractores y especialistas, quienes coinciden  en que este artífice ha demostrado la idoneidad sustancial de la pintura.

“Mi obra es mi única posibilidad, (ya que no soy científico ni político) de trasladar o comentar a otros el orden que me gustaría otorgarle a las cosas de una realidad que no me satisface. Me parece mirar a través de una rendija difícil y descubrir allí, donde otros no ven, una relación más armónica o más apreciable para construir otro mundo aunque sepa que es un simulacro pero verosímil al fin y al cabo. No tengo otros argumentos ni argucias que los tropos visuales y literarios. Mi obra contiene mi autobiografía. Es escueta, ríspida y al mismo tiempo encantadora al parecer”, dijo este artista graduado de  Master of Fine Arts en la especialidad de Pintura Mural del Instituto Estatal V. I. Súrikov de Moscú en 1984.

Precisamente, sus estudios en esa importante institución, durante seis “duros” años, resultaron, tal me dijo el maestro, “una mezcla de rechazo y atracción. Rechazo a los dogmas socialistas en el pleno sentido y atracción por la metodología rigurosa del trabajo y el aprovechamiento del tiempo como disciplina. Hoy estoy satisfecho de tener un oficio majadero. Me parece una suerte tremenda que algún artista llegue a ser reconocido y aplaudido sin apenas dibujar o pintar; a mí me tocó la parte más dura, la de ganarme un reconocimiento por mi tesón, mi oficio, mi insistencia y te aseguro que lo hago, lo hago con el mayor respeto a mí mismo y a aquellos que vienen a disfrutar de mi obra. Creo que el oficio no es ninguna molestia, sino más bien una ventaja. Yo soy feliz creyendo que sé algo, aunque sea una pizca, porque lo que me importa es el conocimiento y a lo que más temo es a la ignorancia”.

A la inauguración de la muestra, concebida como parte de las actividades en Alemania por la jornada de la cultura cubana, asistió, además, Héctor Corcho Morales, encargado de asuntos culturales de la Embajada de Cuba en ese país, así como integrantes de agrupaciones de solidaridad con Cuba, representantes del Ministerio Federal de Asuntos Exteriores, del cuerpo diplomático acreditado en Alemania, críticos, especialistas, coleccionistas, periodistas y cubanos residentes en Berlín.