Como parte de los festejos por el décimo aniversario de su fundación, la Galería Tate Modern, de Londres, abrió su colección de artistas latinoamericanos, entre la cual se destaca la obra de la cubano-americana Ana Mendieta, como la más visitada en esta institución devenida la más concurrida de todo el mundo.
Algunas obras de la Mendieta reflejan el poder de la sangre como símbolo en el Catolicismo y en civilizaciones pre-hispanas de México
La Tate Modern igualmente abrió sus colecciones de obras de artistas de Latinoamérica, Asia y Oriente Medio.
Junto a la Mendieta, de Latinoamérica, entre los artífices más visitados igualmente se encuentran los brasileños Hélio Oiticia y Cildo Meireles.
Ana Mendieta nació en la Habana, Cuba en el año 1948. En 1961, Ana y su hermana mayor se exiliaron a Estados Unidos sin sus padres. Ellas vinieron a Estados Unidos como parte de la Operation Peter Pan, un programa de la Iglesia Católica estadounidense que trajeron a catorce miles de niños cubanos a los Estados Unidos en un esfuerzo para ‘salvar’ a los niños del régimen anti-católico de Castro (Perreault). En Estados Unidos, Mendieta vivía con una familia adoptiva en Iowa y no volvió a ver a sus padres por muchos años. Obviamente, esta experiencia dolorosa, impactó mucho a la formación de Mendieta y su obra refleja esta experiencia.
Mendieta era una artista única cuya obra, en su mayor parte, consiste en performances, body art, videos, fotografías, dibujos, instalaciones y esculturas. Su carrera artística fue corta (1972-1985), pero muy productiva e intensa. Durante el principio de los años 70, asistió a la Universidad de Iowa como estudiante graduada de las artes. Empezó pintando obras expresionistas, pero sus intereses cambiaron con su integración al Intermedia Program and Center for New Performing Arts. En el mundo artístico de los setenta, utilizar el cuerpo para crear arte (“body art” o “performance art”) llegó a ser una manera popular para expresarse. Durante su carrera, Mendieta contribuyó al desarrollo de esta arte, y también hizo un gran impacto en el arte de la tierra (land art o earthworks) (Smithsonian).
Durante los últimos años, la obra de Mendieta ha recibido más reconocimiento que nunca. Una exhibición llamada Ana Mendieta: Earth Body Sculpture and Performance 1972-1985, empezó en el Whitney en Nueva York en julio de 2004, ahora está en el Hirshorn Museum en Washington, DC (octubre 04-enero 05) y viajará al Des Moines Art Center y Miami Art Museum. Al caminar dentro de una de sus exhibiciones, la vida y creencias de Mendieta se convierten en realidad. La obra de Mendieta conecta la naturaleza con la humanidad, expresa elementos de feminismo y espiritualismo, y refleja su propia experiencia como exiliada tanto como mujer.
Como artista, Mendieta se atrevió a expresarse en maneras no convencionales. En una de sus series, Body Tracks, que fue documentado por video, Mendieta se metió las manos en una mezcla de sangre de animales y pinta roja y arrastró las manos en una pared. Su fascinación con la sangre marcó una gran parte de sus obras principales. Se percibió a la sangre como algo mágico y poderoso. Algunas de sus obras que incorporan la sangre se refieren a violaciones cometidas contra mujeres. Otras reflejan el poder de la sangre como símbolo en el Catolicismo y en civilizaciones pre-hispanas de México que había estudiado (Smithsonian).
Otro elemento significante de la obra de Mendieta es la manera en que se incorporó a su cuerpo en la naturaleza. En varias obras ella aparece desnuda, uniendo su propio cuerpo con la tierra invocando imágenes de una diosa y mezclando elementos de rituales africanos, africano-cubanos, mesoamericanos y culturas antiguas de Asia y Europa. En Silueta Series (1973), una de sus series más conocidas, Mendieta creó más de cien obras en las cuales o se hizo parte de la obra al cubrirse o meterse en la tierra, o recreó la imagen de su cuerpo en la tierra al usar elementos naturales como piedras o velas (Smithsonian).
La obra de Mendieta es impresionante. Durante su carrera breve logró dejar un impacto en el mundo artístico. En 1985, con treinta y seis años, Mendieta se murió al caerse de la ventana de su apartamento en Roma. Sin embargo, Mendieta sigue como una inspiración e influencia en la obra de muchos artistas y está ganado fama cada vez más como artista hispana prominente en los Estados Unidos.
Desde su apertura, la Tate Modern ha adquirido obrasde Jennifer Allora y Guillermo Calzadilla (pareja cubano-norteamericana de artistas), Sandra Gamarra (Perú), David Lamelas (Argentina), Nelson Leirner (Brasil), Ernesto Salmerón (Nicaragua) y Féliz González Torres (Cuba).
Desde su creación, la Tate Modern ha atraído más de 45 millones de visitantes y, según explicó hoy Serota, a diferencia de otros museos de arte moderno, la media anual se ha mantenido prácticamente constante desde el primer año.
El edificio fue diseñado para acoger a 1,8 millones de visitantes al año y actualmente recibe a más de 4 millones, lo que explica que se haya encargado su ampliación al dúo de arquitectos suizos Herzog y de Meuron, autores de la remodelación del edificio industrial original.
Un 51% de quienes la visitaron el año pasado tenían menos de 35 años, un 29% venían del continente europeo, el 7% de Norteamérica y el 6% del resto del mundo.
Sus exposiciones de mayor éxito fueron: «Matisse Picasso», que visitaron 467.166 personas en 2002; «Edward Hopper», vista por 429.909 personas, en 2004; «(Andy) Warhol», por la que pasaron 218.801 visitantes, en 2002; «Frida Kahlo», que atrajo en 2005 a 369.249 personas, y Kandinsky: El Camino de la Abstracción», visitada por 282.439 en 2006.
Otras exposiciones muy populares han estado dedicadas a Mark Rothko, Henri Rousseau, el Pop Art, el surrealismo, Dalí y el Cine, Albers y Moholy-Nagy, Constantin Brancusi, el Futurismo, Rodchenko, Popova y el constructivismo o la pareja de artistas británicos Gilbert & George.
La llamada serie Unilever, en la que se encomienda anualmente a un artista una obra concreta para el espacio gigantesco de la antigua Sala de las Turbinas, ha constituido un imán de público con millones de visitantes durante las treinta o más semanas que suele durar la exposición al público.
Entre los artistas invitados a exponer en esa sala figuran el español Juan Muñoz, Louise Bourgeois, Anish Kapoor, Olafur Eliasson, Bruce Nauman, Rachel Whiteread, Doris Salcedo o Dominique González-Foerster.
El próximo en exponer (desde el próximo 12 de octubre hasta el 25 de abril) será el artista chino Ai Weiwei, que diseñó junto a Herzog & de Meuron el estadio olímpico de Pekín, conocido como Nido de Pájaro.
Espejo impaciente 
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